Jusqu’au 1er novembre, la Philharmonie de Paris consacre une exposition à un sujet qui en a rarement : la musique des jeux vidéo. Video Games & Music, sous-titrée La musique dont vous êtes le héros, suit cette musique depuis ses premiers bips électroniques jusqu’aux œuvres symphoniques et expérimentales.
L’exposition est conçue par Fanny Rebillard, musicologue, et Jean Zeid, journaliste spécialisé dans le jeu vidéo. La scénographie est signée La Sagna & Racine.
Un parcours que l’on choisit
Selon la Philharmonie, l’agencement s’inspire d’un jeu en monde ouvert. Les visiteurs choisissent leur propre chemin parmi des modules interactifs, des jeux jouables, des consoles, des instruments, des photographies, des œuvres d’art et des contenus audiovisuels. Une partie du parcours est un tunnel courbe revêtu de métal, éclairé par des projecteurs colorés qui jettent des taches de lumière rouge, verte, jaune et bleue sur le sol ; des bornes d’arcade s’alignent d’un côté, des œuvres encadrées et des postes d’écoute au casque de l’autre.
Dans l’exposition. Photo : Kasra Aliha
Ailleurs, des mannequins en costumes de scène se tiennent parmi des manettes en forme de guitare et des tambours, devant un horizon de ville nocturne.
Costumes de scène et manettes dans l’exposition. Photo : Kasra Aliha
Des premiers bips aux symphonies
L’histoire racontée par l’exposition commence dans les laboratoires de recherche des années 1960 et dans les salles d’arcade des années 1970. Les limites techniques ont façonné les premiers sons : l’audio électronique minimal de Pong (1972) en est le point de départ habituel, et les technologies plus récentes ont ensuite permis des partitions plus riches. Contrairement à une musique de film, la musique de jeu peut réagir en temps réel aux actions du joueur. Just Dance, qui utilise des capteurs de mouvement, fait partie des exemples donnés.
À côté de l’une des projections, un cartel explique que le morceau « The High Seas » est découpé en plusieurs parties, jouées en boucles.
Une projection et son cartel dans l’exposition. Photo : Kasra Aliha
Parmi les jeux cités sur la page de la Philharmonie figurent Super Mario Bros, Streets of Rage, Just Dance et Electroplankton. La presse mentionne aussi les compositeurs Kōji Kondō (Super Mario, The Legend of Zelda) et Nobuo Uematsu (Final Fantasy), ainsi que la demoscene et la chiptune, cette musique construite à partir des sons des premières consoles et des premiers ordinateurs.
Des artistes au-delà de l’écran
L’exposition ne parle pas que de jeux. La Philharmonie annonce des œuvres de culture pop d’Invader et d’eBoy, ainsi que de grands « biomes » mobiles projetés sur les murs, créés par l’artiste Mounir Ayache. La presse cite également Jean-Michel Jarre, Radiohead et le Wu-Tang Clan parmi les musiciens qui puisent dans les sons du jeu vidéo.
Informations pratiques
L’exposition se tient à la Philharmonie de Paris, 221 avenue Jean-Jaurès, 75019 Paris (métro ligne 5, Porte de Pantin, ou tramway T3b), du 2 avril au 1er novembre 2026. Les horaires varient selon les périodes : consultez le site de la Philharmonie avant de venir. Le catalogue de l’exposition coûte 39,90 €. La Philharmonie signale que certains effets lumineux peuvent gêner les personnes sensibles à la photosensibilité ou à l’épilepsie, et que certains jeux jouables ne sont pas compatibles avec des manettes alternatives ou des réglages d’accessibilité adaptés.
Sources : la page de programmation de la Philharmonie de Paris ; articles de Numéro, du CNC et de Sortiraparis. Photographies de Kasra Aliha pour Honargardi, octobre 2026.
Nicole Meeuws n’avait jamais peint. En 2015, une urgence médicale dans un hôpital autrichien l’a conduite tout près de la mort, et elle en est revenue avec ce qu’elle décrit comme des souvenirs très vifs d’un ailleurs. La peinture a suivi. Ce n’était pas un projet.
Dix ans plus tard, elle travaille dans le nord de la Grèce, près de Drama. Ses toiles se construisent point par point à l’acrylique, souvent carrées et de grand format : An Ode to Water, Indigenous, Molecular, SiriusB, Star Knowledge. Des figures hybrides, une écriture inconnue et l’eau y reviennent sans cesse. Elle dit n’avoir trouvé que plus tard des parallèles entre cette imagerie et des représentations mésopotamiennes anciennes qu’elle n’avait jamais étudiées.
Son parcours d’exposition est bref et récent : An Ode to Water en 2024 et Frequency Art en 2025, toutes deux à Paros ; une exposition collective à The Holy Art à Athènes fin 2024 ; et A Call to Nature au Musée archéologique de Drama en septembre 2025. Elle prépare aujourd’hui un nouveau corpus d’œuvres, sans lieu d’exposition encore arrêté, et développe un prolongement immersif de sa peinture par la projection et le son.
Nous lui avons posé onze questions par écrit. Ses réponses sont reproduites ci-dessous, légèrement corrigées pour la ponctuation et la typographie uniquement.
Vous êtes morte durant une intervention médicale en 2015 et n’aviez jamais peint auparavant. Que s’est-il passé entre ce jour-là et la première fois où vous avez pris un pinceau — quel a été l’écart, et qu’est-ce qui l’a finalement déclenché ?
Avant mon EMI (expérience de mort imminente) de 2015, je n’avais jamais peint et n’avais jamais imaginé devenir peintre. Par la suite, je suis revenue avec des souvenirs extrêmement vifs et le sentiment profond que la réalité était bien plus vaste que ce que j’avais compris jusque-là. Je devrais vérifier mes archives pour donner l’écart exact avant ma première peinture, mais ce que je me rappelle clairement, c’est que l’impulsion de créer est apparue durant cette période, sans aucun projet de devenir artiste. Quand j’ai enfin pris un pinceau, cela m’a paru étrangement naturel. La peinture est devenue le lieu où je pouvais vivre avec cette expérience sans avoir à l’expliquer, et elle est peu à peu devenue un langage pour des choses que je ne pouvais exprimer par les mots.
Vous décrivez l’apparition d’une écriture inconnue dans votre travail. Est-elle constante d’une peinture à l’autre — les mêmes caractères reviennent-ils — et la consignez-vous hors des toiles ? Avez-vous le sentiment de la comprendre, ou seulement de la transcrire ?
Certaines formes et certains caractères reviennent, bien que je ne dirais pas qu’un alphabet identique apparaît dans chaque peinture. Je les invente rarement de façon consciente ; ils ont tendance à surgir quand je suis très calme et profondément absorbée dans le travail. Je décris parfois cet état comme une mise à l’écoute d’un champ d’information, mais je l’entends de façon intuitive, non scientifique. J’ai consigné des symboles semblables hors des toiles, parce que j’étais curieuse de ce qui se répétait. Je ne peux pas traduire cette écriture au sens littéral, bien que j’aie parfois le sentiment d’en comprendre la qualité émotionnelle ou énergétique. « Transcrire » est probablement plus proche de l’expérience, et la recherche vient généralement après, quand je commence à me demander pourquoi telle marque ou tel symbole est apparu.
Vous avez ensuite trouvé des parallèles avec l’imagerie mésopotamienne. Quelles images précisément, et comment les avez-vous rencontrées ? Avez-vous envisagé la possibilité de les avoir rencontrées plus tôt sans vous en souvenir ?
Pour moi, la chronologie est très claire : l’EMI est venue en premier, la peinture ensuite, et la recherche après. Durant l’EMI, j’ai rencontré deux êtres distincts et androgynes, assis sur ce que j’ai perçu comme des trônes, avec un haut du corps humanoïde et pâle, un bas du corps aquatique ou poissonneux, des yeux indigo intenses et une chevelure inhabituelle, comme faite de plumes. Après l’EMI, des formes hybrides et des symboles apparentés ont commencé à apparaître dans mes peintures. Je n’avais pas consciemment vu ni étudié l’imagerie mésopotamienne auparavant, je n’en avais aucune familiarité ni aucun souvenir d’y avoir été confrontée. Ce n’est que plus tard que j’ai découvert, par mes propres recherches, des documents mésopotamiens et babyloniens, dont des images associées aux Apkallu et à d’autres êtres hybrides humains et aquatiques. J’ai envisagé la mémoire inconsciente, car c’est une question raisonnable, mais mon expérience reste que l’imagerie est venue en premier. Je ne présente pas ces parallèles historiques comme une preuve ; je trouve la séquence elle-même — expérience, peinture, découverte — plus intéressante que l’imposition d’une explication.
Des titres comme SiriusB, Star Knowledge, Egyptopia et Indigenous puisent dans des cultures et des cosmologies précises, et votre pseudonyme Instagram fait référence aux Dogon. Comment pensez-vous la frontière entre la résonance avec l’imagerie sacrée d’une autre culture et l’emprunt qu’on peut en faire ?
Je respecte le fait que chaque culture porte sa propre histoire, ses significations sacrées et son contexte, et je ne prendrais jamais délibérément quelque chose de sacré pour le retirer de son contexte et le présenter comme mien. En même temps, je ne vis pas l’humanité comme fondamentalement divisée. Je vois la culture comme à la fois spécifique et perméable : les traditions méritent le respect, mais des êtres humains, à travers des civilisations très différentes, se sont posé à maintes reprises les mêmes questions sur la naissance, la mort, la conscience, la nature, le cosmos et l’invisible. Ma compréhension spirituelle est que la conscience n’est peut-être pas limitée à une seule vie ou à une seule identité culturelle, si bien qu’une résonance profonde peut parfois ressembler davantage à une reconnaissance qu’à une appropriation. Dans mon propre travail, l’image vient généralement d’abord, et le lien culturel se révèle ensuite par la recherche. J’essaie de tenir les deux idées à la fois : la spécificité culturelle compte profondément, et pourtant, au niveau le plus profond, nous restons une seule famille humaine.
Vous construisez les surfaces point par point, et travaillez au pinceau, à la main et avec des outils naturels. Comment une peinture commence-t-elle — par une image, une couleur, un sentiment — et comment savez-vous qu’elle est achevée ?
Une peinture commence généralement par un sentiment plutôt que par une image complète, parfois une couleur, un mouvement, une atmosphère ou l’impression d’un être ou d’un paysage. Je travaille de façon intuitive, au pinceau, avec mes mains et parfois des outils naturels ou improvisés, en construisant lentement la surface par couches, points et marques répétées. Le silence est important, car lorsque je cesse d’imposer trop d’intention, des images inattendues peuvent émerger ; pour moi, la création devient une forme d’écoute. Savoir qu’une œuvre est achevée est tout aussi intuitif. Finalement, la peinture se tait et ne me demande plus rien. Si je continue au-delà de ce point, je risque de perturber l’équilibre ; terminer, c’est donc en partie savoir quand cesser d’intervenir.
L’eau traverse votre œuvre : An Ode to Water, Coral Reef, Oceans of Memory. Pourquoi l’eau ?
L’eau est l’un des éléments récurrents les plus profonds de mon travail. Elle est biologiquement inséparable de la vie — nous commençons dans le milieu liquide de l’utérus et restons dépendants de l’eau toute notre vie —, mais pour moi elle porte aussi une signification spirituelle profonde, car le royaume que j’ai perçu durant mon EMI avait une qualité aquatique, et les êtres que j’y ai rencontrés étaient eux-mêmes en partie aquatiques. Tout, dans cette expérience, semblait ancien et sacré, presque comme si l’eau portait une forme ancienne de savoir. J’imagine parfois l’eau, métaphoriquement, comme une archive naturelle, circulant à travers les corps, les océans, l’atmosphère et les générations. Les cultures humaines l’ont bénie, s’y sont baptisées, ont prié sur elle et ont bâti des civilisations autour d’elle depuis des millénaires. Je sens de plus en plus que mon travail nous demande aussi de nous rappeler que l’eau n’est pas seulement une ressource : elle est la vie, la mémoire, le seuil, et quelque chose qui mérite révérence et protection.
Vos Soul Frequency Paintings sont réalisées pour une personne précise, à partir d’une photographie. La commande change-t-elle ce qui apparaît sur la toile, par rapport à quand vous peignez pour personne ?
Oui, car la personne devient un point d’ancrage, bien que le processus reste très intuitif. Je commence par une photographie, mais je ne crée pas un portrait conventionnel ; je laisse les couleurs, les symboles, les textures et les formes se développer autour de ce que je perçois de la personne. Pour chaque Soul Frequency, j’envoie aussi une lettre descriptive expliquant les symboles et les impressions apparus, et comment j’ai ressenti leur lien avec la vie ou le monde intérieur du client. J’ai réalisé ces peintures pour des centaines de clients à travers le monde, et les retours ont été remarquablement cohérents : on me dit souvent que l’interprétation touche de près à des expériences ou des circonstances que je ne pouvais connaître à partir de la seule photographie. Je ne présente pas cela comme une mesure scientifique d’une « fréquence de l’âme », mais après avoir vu cette reconnaissance se répéter pendant tant d’années, je fais profondément confiance au processus.
En septembre 2025, vous avez montré A Call to Nature au Musée archéologique de Drama — une peinture visionnaire contemporaine au sein d’un musée d’antiquités. Qu’a fait ce cadre à l’œuvre ?
Ce cadre a créé un dialogue puissant à travers le temps. Les peintures n’étaient plus isolées dans un espace de galerie neutre ; elles étaient entourées d’objets fabriqués par des personnes qui, elles aussi, utilisaient symboles, animaux, formes rituelles et images de la nature pour approcher des choses qui ne peuvent pas toujours s’exprimer littéralement. Je ne dirais jamais que le cadre muséal « prouve » un lien entre mon travail et l’Antiquité, mais il a rendu les frontières temporelles moins rigides. L’intuition contemporaine et la culture matérielle ancienne sont restées entièrement distinctes, tout en étant autorisées à se parler à travers l’impulsion humaine partagée de donner forme au mystère.
La nouvelle direction immersive transforme les surfaces peintes en environnements mouvants par la projection, l’animation et le son. Qu’y gagne l’œuvre, et qu’est-ce qu’une surface peinte à la main risque d’y perdre ? Travaillez-vous avec des collaborateurs sur le plan technique ?
Cette direction immersive est née en observant de près les peintures et en réalisant qu’elles contiennent déjà de petits mondes de symboles, de lumière, de texture et de mouvement suggéré. La projection, une animation mesurée, la superposition spatiale et le son dans l’espace pourraient permettre au spectateur d’entrer dans ces mondes plutôt que de simplement se tenir devant eux. Le risque est que la technologie devienne spectacle et écrase la surface faite à la main, qui contient le toucher, la matière, les accidents et la trace du corps qui l’a créée. La peinture physique doit donc rester la source et l’autorité ; la technologie doit révéler ce qui y est déjà latent plutôt que de le remplacer. Je recherche actuellement les bons collaborateurs techniques et créatifs pour le premier prototype, car le mapping vidéo, le son spatial et l’architecture technique exigent une expertise spécialisée.
Votre mari a lui aussi vécu une EMI, et il est à la fois radiologue et musicien. Son regard clinique a-t-il déjà remis en question la façon dont vous lisez votre propre expérience ?
Oui, et c’est en partie ce qui rend nos conversations si intéressantes. En tant que radiologue spécialiste, mon mari est ancré dans l’anatomie, la physiologie, l’imagerie et la médecine, il peut donc aborder des expériences extraordinaires par un prisme clinique ; en même temps, il a lui-même vécu une EMI. Cela signifie qu’aucun de nous n’a besoin de convaincre l’autre que l’expérience paraissait tout à fait réelle, mais nous pouvons néanmoins discuter des explications physiologiques et des limites des connaissances actuelles. Je suis à l’aise de dire que je ne sais pas exactement ce qui m’est arrivé. Je sais ce que j’ai vécu et à quel point cela a profondément changé ma vie, mais l’interprétation est une autre question. Je ne pense pas que la science et le mystère s’annulent nécessairement ; parfois, le territoire le plus intéressant commence précisément là où nos explications atteignent leurs limites.
Vous travaillez sous votre propre nom, Nicole Meeuws. Quelle importance accordez-vous à ce que votre art reste étroitement lié à votre histoire et à votre identité personnelles ?
C’est très important. Mon travail est profondément personnel et est né directement d’expériences qui ont changé le cours de ma vie. Je veux le présenter simplement et authentiquement sous mon propre nom, Nicole Meeuws. Les peintures, les questions qui les sous-tendent, et le chemin qui m’a conduite à les créer font tous partie de la même histoire.
Postface
Interrogée sur ce qui relie tout cela, Meeuws est revenue à un seul fil : la possibilité que nous soyons bien plus reliés — les uns aux autres, à la nature, à l’eau, à la mémoire, et peut-être à des réalités au-delà de la perception ordinaire — que ce que nous nous autorisons habituellement à imaginer. La peinture, dit-elle, est sa façon de continuer à poser la question.
Son prochain corpus d’œuvres est encore en cours, et le lieu n’est pas encore arrêté. Paris figure parmi les villes qu’elle envisage, et c’est celle où elle aimerait le plus voir la première présentation de l’œuvre immersive.
Nicole Meeuws travaille dans le nord de la Grèce. Ses peintures, ses écrits et ses commandes Soul Frequency sont visibles sur nicolemeeuws.com.
Entretien réalisé par écrit par Kasra Aliha pour Honargardi, août 2026. Œuvres reproduites avec l’autorisation de l’artiste ; droits réservés à Nicole Meeuws.
Hassan Nozadian, artiste multidisciplinaire et figure marquante de l’art contemporain, combine design industriel, architecture et illustration pour créer des mondes où les frontières entre réalité et imagination s’effacent. Depuis l’enfance, il est fasciné par « l’espace », dans toute la richesse de ce terme — l’environnement qui nous entoure et le cosmos. Cette fascination s’est progressivement manifestée dans son travail. Sa passion pour concevoir et créer de nouveaux espaces en a fait un artiste aux multiples facettes, actif dans des domaines tels que l’animation, l’illustration et le concept art. Ces expériences l’ont conduit à concevoir des décors et des scènes pour de nombreux projets d’animation.
Nozadian estime que pour rendre crédible un monde fictif, il faut créer une identité complète pour son environnement, et même pour ses personnages. Ces mondes imaginaires reflètent également ses expériences vécues. Ces dernières années, Nozadian a créé des collections artistiques qui explorent des thèmes profonds de l’existence, notamment les changements d’habitat, la migration et la confrontation avec la perte.
Nozadian considère la maison comme le premier espace identifiable pour l’être humain — non pas simplement un lieu physique, mais un concept profond de présence et d’absence. Se référant aux écrits de Gaston Bachelard, philosophe et épistémologue français, il affirme qu’une maison est un vaisseau pour les rêves et un abri pour l’imagination — le moyen premier de percevoir, d’éprouver et d’imaginer le monde qui nous entoure.
L’expérience de Nozadian d’avoir vécu dans diverses villes et ses nombreux déménagements durant l’enfance et l’âge adulte, y compris la migration, ont profondément façonné son regard et son travail artistique. Il n’a cessé de se confronter à la notion d’enracinement et de déracinement, en particulier dans des contextes sociaux, économiques et politiques. Vivre dans des conditions oscillant entre construction et effondrement fait partie de son expérience quotidienne d’artiste, une réalité qui résonne dans son œuvre.
Nozadian souligne l’influence de ses errances dans différentes villes et différents lieux sur sa compréhension artistique. Il considère la notion de flâneur, introduite par le poète et écrivain français Charles Baudelaire, comme l’un des éléments essentiels de son travail. La flânerie, c’est-à-dire la déambulation sans but dans les rues et l’expérience des espaces urbains de manière personnelle et intériorisée, est un concept qui se reflète nettement dans l’œuvre de Nozadian. Il considère la flânerie non seulement comme un acte physique, mais aussi comme un outil de compréhension et de perception, et comme une manière de vivre.
Cet entretien a été réalisé par Kasra Aliha à Paris en octobre 2024 et est publié pour la première fois via la plateforme média Honargardi et ses réseaux sociaux.
Morteza Niknahad, né en 1984 à Bandar Abbas, est un photographe et réalisateur iranien dont le travail explore l’expérience humaine à travers la photographie mise en scène et les récits personnels. Ayant grandi dans une ville côtière du golfe Persique, il s’est découvert une fascination pour la photographie analogique dès l’adolescence, amorçant un parcours vers la narration visuelle. D’abord tourné vers le cinéma, il revient à la photographie en 2014, créant des scènes minutieusement composées, inspirées de son imagerie mentale et de son lien profond avec la mer et sa ville natale. Son projet le plus connu, « Big Fish », a remporté le Wellcome Photography Prize de Londres consacré à la santé mentale, un reflet de la vie de sa mère et de sa lutte contre une maladie obsédante.
Niknahad a participé à de nombreuses expositions collectives à travers le monde, notamment en France, en Allemagne, en Chine, en Suède et au Canada. Il fut l’un des jeunes artistes invités au prestigieux 160e anniversaire du Salon des Beaux-Arts à Paris en juin 2024, où il a reçu le Prix Jean Larivière pour sa contribution artistique. Sa dernière exposition personnelle, « Big Fish and Beyond the Seas », présentée à la Galerie 20 Thorigny à Paris, a suscité une attention considérable, mettant en lumière son exploration continue de la mémoire, de la santé mentale et de la vulnérabilité humaine. Ses œuvres ont également été présentées dans des publications renommées telles que The Guardian, Le Monde, Bazaart et BBC World.
Asia Now Paris revient à la Monnaie de Paris du 17 au 20 octobre 2024, pour célébrer son 10e anniversaire ! Plateforme de premier plan pour l’art asiatique contemporain, cette édition réunit plus de 70 galeries venues de 21 pays, mettant en avant des artistes émergents et établis d’Asie et de sa diaspora. Avec des installations organisées, des performances live et des ateliers d’artistes, Asia Now est bien plus qu’une simple foire d’art — c’est une célébration de la diversité culturelle et des rituels communautaires.
Des artistes et galeries iraniens sont également à l’honneur cette année avec des œuvres qui invitent à la réflexion. Hamid Shams, présenté par la Galerie Simine, propose une performance puissante intitulée « Mehregan : Maybe a Love Story », mêlant la mythologie iranienne aux luttes contemporaines pour la liberté. Par ailleurs, Maryam Khosrovani et Atieh Sohrabi présentent des œuvres singulières explorant les thèmes de l’identité et de la diaspora. Ne manquez pas l’occasion de vivre cet événement dynamique à la Monnaie de Paris !
Kaveh Kavoosi, artiste iranien de premier plan établi en France, a organisé plus de 9 expositions individuelles et participé à plus de 50 expositions collectives à travers le monde. Parmi ses distinctions figure le Prix spécial du jury et du public au 17e Festival international du film d’animation de Paris (PIAFF) pour son court métrage Anarmonic. Les collections récentes de Kavoosi, notamment Positions et Tekieh Dowlat, invitent le spectateur dans un univers de formes et d’émotions qui incitent à la réflexion. Cet entretien a été réalisé par Kasra Aliha à Paris en septembre 2024 et est publié pour la première fois via le média Honargardi et ses réseaux sociaux.
La 5e édition du Menart Fair, l’un des événements internationaux les plus importants dédiés à l’art moderne et contemporain, se tiendra du 20 au 22 septembre 2024 dans le quartier du Marais à Paris. Fondé en 2021 par Laure d’Hauteville, le Menart Fair est consacré à la présentation des œuvres d’artistes majeurs du Levant, du Golfe Persique et d’Afrique du Nord.
Dans ce reportage spécial de Honargardi, nous avons eu des conversations éclairantes avec deux artistes de premier plan, Mme Leila Varasteh et Mme Morvarid K. Mme Leila Varasteh est l’une des fondatrices de Simine Paris. Depuis plus de trente ans, elle se consacre à la promotion de l’art et des artistes iraniens en Europe. Tout au long de sa carrière, elle a organisé et présenté de nombreuses expositions et rétrospectives dans des galeries, musées et institutions culturelles prestigieux. Elle a également été chargée de la sélection d’œuvres pour plusieurs grandes collections privées. Lors de notre conversation avec Mme Varasteh, nous avons évoqué l’art iranien, sa présentation à Paris et les défis auxquels ce domaine est confronté.
Nous nous sommes également entretenus avec Mme Morvarid à propos de ses œuvres et de ses démarches artistiques, en explorant ses expériences personnelles et sa vision de la création.
Cette édition met l’accent sur la scène artistique féminine de la région MENA (Moyen-Orient et Afrique du Nord), mettant en lumière l’héritage des artistes femmes pionnières tout en présentant des créatrices contemporaines et émergentes.
Cet événement entièrement féminin va au-delà des questions de genre pour sensibiliser à la richesse et à l’importance de la scène artistique féminine dans le monde arabe et en Iran. La foire se tiendra à la Galerie Joseph Saint-Merri, un espace qui abritait auparavant le musée Pierre Cardin.
Le programme comprend des tables rondes, des présentations vidéo et la participation de musées et d’institutions culturelles de la région MENA. Une trentaine de galeries, dont certaines spécialisées en art et en design, seront présentes à cet événement. Le Menart Fair sert de plateforme pour la découverte de l’art émergent et facilite les échanges culturels entre artistes et institutions artistiques internationales.
Q : Quels sont les défis auxquels vous faites face en tant qu’artiste émergente ?
L’art fait partie intégrante de ma vie depuis l’enfance. J’ai grandi entourée de créativité. Tout au long de mon parcours artistique, j’ai constamment recherché la croissance, l’expérimentation et l’originalité dans mon travail. Au fil des années, j’ai exploré diverses disciplines artistiques avant de trouver finalement ma vraie voix dans la peinture. À travers mes peintures, je cherche à donner une forme visuelle aux mondes imaginaires de mon esprit. J’invite les spectateurs à interpréter ces visions à travers leur propre perspective personnelle.
Lorsque j’ai commencé à chercher des occasions d’exposer mon travail, j’ai approché de nombreuses galeries. Malheureusement, j’ai constaté que les artistes émergents reçoivent souvent une attention et un soutien limités. J’ai été invitée à plusieurs entretiens en galerie, mais les discussions portaient fréquemment sur des questions sans rapport avec les œuvres elles-mêmes — comme les frais d’exposition, voire l’apparence de l’artiste. Rarement se concentrait-on sur les concepts artistiques et le processus créatif derrière l’œuvre.
Mes peintures recevaient souvent des retours positifs. Malgré cela, les galeries me présentaient fréquemment des exigences financières importantes comme condition pour exposer mon travail.
Le défi plus large pour les artistes émergents
À mon avis, le monde de l’art n’accorde pas aux artistes émergents la reconnaissance et le soutien qu’ils méritent. En conséquence, de nombreux artistes émergents regardent au-delà de leur scène artistique locale et cherchent des opportunités à travers des galeries internationales. Là, ils trouvent souvent une meilleure chance de présenter leur travail et d’établir leur identité artistique.
Pour tout artiste, la passion est le moteur du processus créatif. Naturellement, les artistes veulent aussi partager ce travail avec les autres. Ils souhaitent découvrir comment le public perçoit, vit et interprète les idées contenues dans chaque pièce. Cependant, les réalités actuelles du marché de l’art et les défis entourant les expositions en galerie peuvent être décourageants. Cela est particulièrement vrai pour ceux qui se consacrent à la création.
Chaque artiste — en particulier un artiste émergent — a besoin d’encouragement, de visibilité et d’un soutien véritable. Un tel soutien aide non seulement les artistes à poursuivre leur parcours créatif. Il ouvre aussi de nouvelles possibilités pour la création d’œuvres originales et novatrices qui enrichissent le paysage culturel.
Q : Comment décririez-vous votre style artistique ? Pourquoi avez-vous choisi cette approche, et pourquoi travaillez-vous avec ces matériaux ?
R : Les mondes imaginaires et le surréalisme m’ont toujours profondément fascinée. J’ai été particulièrement attirée par les paysages fantastiques et les décors des films d’animation Disney. Parallèlement à cette passion, j’ai développé une solide expérience de la peinture miniature iranienne. Cette expérience m’a finalement inspirée à consacrer ma recherche de master à cette tradition artistique.
À travers cette recherche, j’ai été particulièrement attirée par le langage visuel de la peinture miniature iranienne. J’ai été particulièrement séduite par les arbres tortueux et entrelacés et les formations rocheuses qui évoquent des figures humaines et animales. Ces motifs apparaissent dans la seconde école de Tabriz et l’école de Mashhad de la période safavide. Ces éléments sont bien plus que des motifs décoratifs. Ils portent des significations symboliques et servent de métaphores visuelles qui enrichissent la narration de l’image.
Une autre source d’inspiration importante a été l’œuvre du célèbre poète et peintre iranien Sohrab Sepehri. J’ai été particulièrement attirée par ses représentations d’arbres. Les textures riches et les qualités expressives de son travail m’ont inspirée. Je combine les mondes imaginaires de l’animation avec le langage symbolique de la peinture miniature iranienne. Je puise aussi dans les textures organiques de la nature. Par cette fusion, je crée des mondes surréalistes et oniriques qui invitent à la contemplation et à l’interprétation personnelle.
L’un de mes principaux objectifs artistiques est de susciter un sentiment d’émerveillement et de curiosité chez le spectateur. J’espère que ces espaces imaginaires éveillent des souvenirs ou encouragent les spectateurs à s’imaginer eux-mêmes dans ces paysages. Cela permet à chaque personne de former un lien unique et personnel avec l’œuvre.
Matériaux et technique
Je travaille principalement à la peinture acrylique, en intégrant des techniques mixtes pour créer des textures riches et superposées. L’acrylique est depuis longtemps mon médium de prédilection en raison de sa polyvalence. Il me permet d’obtenir, dans certaines zones, une transparence délicate proche de l’aquarelle. Il me permet aussi de construire des surfaces texturées qui accentuent les qualités expressives des arbres.
Une large gamme de tons bruns domine la palette de mes peintures. Ces tons établissent l’atmosphère générale des compositions. Dans certaines zones choisies, j’introduis des couleurs plus saturées pour créer une harmonie, souligner certains éléments et générer un contraste visuel.
Le thème central de ce corpus explore la relation entre les êtres humains et les arbres anciens. Des figures humaines semblent prises au piège dans ces formes séculaires, suggérant que la nature — ou peut-être le monde matériel lui-même — les a enchantées et emprisonnées. Elles semblent chercher à se libérer de cette captivité symbolique.
La tradition animiste présente dans la peinture miniature iranienne influence aussi mes peintures. Cette tradition considère que la nature possède vie, esprit et conscience. Tout au long des œuvres, la couleur alterne entre des passages éthérés et translucides et des formes plus solides et tangibles. Cela renforce le contraste entre liberté spirituelle et confinement terrestre.
Q : Quels artistes vous ont le plus inspirée, et le travail de qui a eu la plus grande influence sur votre pratique artistique ?
R : J’étudie et analyse régulièrement les œuvres d’un large éventail d’artistes et de photographes. Je suis particulièrement attirée par ceux associés au surréalisme. Cependant, je ne me suis jamais limitée à l’influence d’un seul artiste. Mon intérêt s’étend au-delà du surréalisme à l’art abstrait et à bien d’autres mouvements artistiques. Ces mouvements offrent de nouvelles façons d’exprimer mes idées et mon imagination visuelle. Plutôt que de suivre un artiste ou un style particulier, je cherche l’inspiration dans des approches artistiques diverses. Ces approches m’aident à communiquer mes pensées et à élargir ma vision créative.
Q : Quelle importance accordez-vous à ce que votre travail soit reconnu comme de l’art iranien ? Dans quelle mesure intégrez-vous des éléments de l’art iranien dans votre pratique ?
R : L’art iranien est une tradition artistique exceptionnellement riche, distinguée par sa remarquable diversité et ses principes esthétiques profondément enracinés. Depuis des siècles, il est une source d’inspiration pour des artistes de différentes cultures et générations.
À travers mes recherches sur les diverses écoles de la peinture miniature iranienne, j’ai développé une profonde appréciation pour son langage visuel et ses valeurs esthétiques. Cela m’a inspirée à intégrer certains principes choisis de la miniature iranienne dans ma propre pratique artistique, tout en les interprétant à travers mon imagination personnelle et ma perspective contemporaine.
Mon intention n’a jamais été d’imiter le travail des autres. Au contraire, j’ai toujours cherché à développer mon propre langage visuel — un langage qui reflète ma vision personnelle. En même temps, il demeure enraciné dans l’héritage esthétique de l’art iranien. Maintenir ce lien est important pour moi. Cela me permet de préserver l’esprit des traditions artistiques iraniennes tout en les exprimant d’une manière contemporaine et individuelle.
Q : Dans combien de disciplines artistiques avez-vous travaillé ?
R : Tout au long de mon parcours artistique, j’ai travaillé dans un large éventail de disciplines créatives. Ma curiosité et ma passion pour l’art m’ont toujours encouragée à explorer différentes formes d’expression artistique. Une autre influence importante a été ma formation universitaire en arts visuels. Cette formation m’a fait découvrir un large spectre de domaines artistiques. Chacun de ces domaines est devenu une source d’inspiration pour ma propre pratique.
Mon expérience comprend le design graphique, l’illustration, et les arts traditionnels iraniens — notamment la peinture miniature iranienne, le Gol-o Morgh (peinture d’oiseaux et de fleurs), le Tazhib (enluminure persane) et la calligraphie. Elle comprend aussi la peinture, la caricature, le dessin de presse, la peinture numérique et l’animation.
J’ai aussi travaillé dans la production d’animation, le design de personnages et le design d’environnements pour plusieurs projets de courts métrages. J’ai contribué à un travail similaire pour un long métrage d’animation produit par l’Institut culturel et artistique Saba.
Q : Combien d’heures travaillez-vous généralement par jour ?
R : C’est une question difficile à laquelle répondre, car chaque artiste a un processus créatif différent. Certains artistes travaillent de longues heures sans interruption. D’autres préfèrent passer plus de temps à réfléchir au concept, à la direction et au langage visuel de leur travail avant de commencer à créer.
Personnellement, je travaille autant que je sens que c’est nécessaire. Cela m’apporte un sentiment d’accomplissement et me rapproche de mes objectifs artistiques. Je crois que travailler sans fin, sans réflexion, ne mène pas nécessairement à des idées significatives ou originales. Pour moi, créer de l’art n’est pas simplement produire davantage — c’est créer avec intention.
Je consacre beaucoup de temps à étudier et observer le travail d’autres artistes. Tout au long de mon parcours, l’observation attentive m’a appris bien plus que la pratique répétitive sans but clair. Je crois que la recherche réfléchie, l’exploration visuelle et la réflexion sont tout aussi essentielles au processus créatif. Elles comptent autant que l’acte de peindre lui-même.
Q : Vous considérez-vous capable d’analyser et de critiquer le travail d’autres artistes ? Pourriez-vous développer ?
R : Dans une certaine mesure, oui. Je crois que chaque artiste développe une façon unique de voir et d’interpréter les œuvres d’art. Cela se forge à travers ses propres expériences et sa perspective créative.
Chaque fois que je rencontre une œuvre d’art, je commence naturellement à l’analyser. Je me surprends à regarder au-delà de ses éléments visuels. À partir de là, j’essaie de comprendre l’intention de l’artiste et de découvrir les idées ou significations intégrées dans la composition.
Je m’efforce continuellement d’élargir ma culture visuelle en étudiant des œuvres issues d’un large éventail de mouvements artistiques. Cela signifie aussi me familiariser davantage avec différentes approches de l’analyse et de la critique d’art. Pour moi, ce processus n’est pas seulement une façon d’approfondir ma compréhension de l’art. C’est aussi une source d’inspiration importante qui mène souvent à de nouvelles idées et orientations créatives dans ma propre pratique.
Q : Pourriez-vous nous parler du début de votre parcours artistique ?
R : Ma passion pour l’art a commencé dans l’enfance. Je suis née dans une famille d’artistes. Dès mon plus jeune âge, j’ai eu l’occasion d’observer le processus créatif de première main. Grandir dans un tel environnement m’a naturellement incitée à poursuivre mon propre chemin artistique.
Dès mon plus jeune âge, j’étais particulièrement fascinée par l’animation, le design de personnages et la création de mondes imaginaires. J’ai passé d’innombrables heures à dessiner, concevant constamment de nouveaux personnages et imaginant des environnements fantastiques. Cependant, ma ville natale offrait très peu d’opportunités et de ressources éducatives pour soutenir ces intérêts. Je me suis donc tournée vers l’étude indépendante. Je me suis plongée dans les livres, les magazines d’art et les œuvres d’artistes établis, les observant, les analysant et en apprenant soigneusement. Ce processus a non seulement élargi mon imagination visuelle, mais a aussi progressivement approfondi ma passion pour la peinture.
Formation et éducation
J’ai étudié le design graphique à l’école d’art. J’ai ensuite obtenu ma licence en arts visuels à l’Université Farhangian (université de formation des enseignants) de Mashhad. Ma formation universitaire m’a fait découvrir un large éventail de disciplines artistiques. J’ai été particulièrement attirée par les riches traditions de l’art iranien et islamique. J’ai eu la chance d’étudier auprès de professeurs distingués dont l’encadrement a joué un rôle important dans la formation de mon développement artistique.
Un désir profond de grandir en tant qu’artiste pluridisciplinaire m’a poussée. Je me suis consacrée à maîtriser chaque domaine artistique qui captait mon intérêt. Plutôt que de me limiter à une seule discipline, j’ai cherché à élargir mes connaissances. Je voulais développer une compréhension globale des différentes formes d’expression visuelle.
J’ai ensuite obtenu mon master en peinture à l’Université des sciences et de la culture de Téhéran. Cette expérience m’a permis de me concentrer plus profondément sur la peinture comme pratique artistique principale. En même temps, j’ai continué à travailler sur le design de personnages, le design d’environnements et le développement de concepts visuels pour plusieurs projets d’animation courts. Ces projets sont restés une partie essentielle de ma vision artistique à long terme.
Aujourd’hui, ma pratique continue de s’étendre sur plusieurs disciplines artistiques. Je suis constamment à la recherche de nouvelles idées, de nouveaux langages visuels et de nouvelles directions qui permettent à mon travail d’évoluer.
Q : Quelle vision avez-vous de votre avenir en tant qu’artiste ?
R : Je m’efforce constamment de transformer mes nouvelles idées en œuvres qui communiquent de façon significative avec mon public. Mon aspiration est de développer continuellement ma pratique artistique. J’espère aussi voir mon travail reconnu aux côtés de celui d’artistes influents qui ont contribué à l’histoire de l’art. Plus que tout, j’espère laisser derrière moi un corpus d’œuvres qui reflète ma vision. J’espère qu’il résonnera auprès des gens à travers les cultures. Je reste engagée dans mon parcours artistique. Par le dévouement et la persévérance, j’espère qu’un jour j’atteindrai les objectifs que je me suis fixés.
Q : Qui a été votre plus grande source d’encouragement tout au long de votre parcours artistique ?
R : Ma famille a été ma plus grande source d’encouragement tout au long de mon parcours artistique. Leur soutien indéfectible, leur confiance constante et leurs encouragements m’ont donné la confiance nécessaire pour continuer à poursuivre mes objectifs artistiques. Je suis profondément reconnaissante pour tout ce qu’ils ont fait. Leur soutien a joué un rôle inestimable dans la formation de l’artiste que je suis aujourd’hui.
