Catégorie : Reportages

Catacaos de Lorenzo Vitturi à la 193 Gallery, Paris : le verre, la laine et la calebasse

Catacaos, première exposition personnelle de Lorenzo Vitturi à la 193 Gallery à Paris, a ouvert ses portes le lundi 9 novembre 2026 et se tient jusqu’au 23 décembre 2026. Construite autour du poto, une calebasse séchée, elle réunit tapisseries, sculptures en verre et photographies qui suivent les racines italiennes et péruviennes de l’artiste à travers les matériaux qui les relient : verre de Murano, fils péruviens et laine.

Texte et entretien : Kasra Aliha. Photographies : Behnood Massoumi.

Tapisseries dans la première salle de Catacaos, 193 Gallery, Paris. Photo : Behnood Massoumi.

Un voyage guidé par une calebasse

Catacaos est une petite ville du nord du Pérou. Pour Vitturi, elle est devenue la destination d’un voyage guidé par un objet qui le fascine depuis longtemps : le poto, ou calebasse, une gourde séchée traditionnellement utilisée pour servir et partager la chicha de jora, une ancienne boisson de maïs fermenté. Profondément ancré dans l’artisanat et les rituels locaux, cet objet a révélé un lien personnel inattendu : selon la galerie, Catacaos est le lieu de naissance de l’arrière-grand-père de l’artiste.

L’exposition, accompagnée d’un texte de la curatrice et écrivaine Giulia Civardi, réunit photographie, sculpture et tapisserie et retrace des histoires personnelles, culturelles et matérielles entre l’Italie et le Pérou, les deux pays d’origine de l’artiste. Né à Venise en 1980 et installé entre Londres et Venise, Vitturi travaille le verre et les perles de Murano, les fils péruviens, la Jesmonite et d’autres matériaux, sans cesse reconfigurés, cousus, assemblés et transformés.

Le lien principal entre ces trois médiums est avant tout un lien narratif. C’est l’histoire qui relie les matériaux.
Lorenzo Vitturi

Les trois médiums se répartissent dans les trois salles de la galerie.

Première salle : des tapisseries nouées en Inde, achevées à Murano

Dans la première salle, les contours sinueux de la calebasse prennent forme dans des tapisseries monumentales. D’après le texte mural, elles ont été nouées en laine et en soie végétale par des artisans de la Jaipur Rugs Foundation et agrémentées de verre de Murano, réunissant des traditions et des géographies distinctes. Vitturi a expliqué à Honargardi que ces tapisseries ont été réalisées en Inde puis terminées dans son atelier à Murano, et qu’ici le textile contient le verre.

Tapisseries de Lorenzo Vitturi, première salle. Photo : Behnood Massoumi.

Tapisserie à franges, première salle. Photo : Behnood Massoumi.

Tapisserie aux franges bleues et vertes. Photo : Behnood Massoumi.

Deuxième salle : le verre qui contient le fil

La deuxième salle inverse le rapport. Des sculptures totémiques en verre, intitulées Combinado, renferment des fils péruviens : le verre brut de Murano contient ici le textile, « exactement l’inverse » des tapisseries, a dit Vitturi. Le texte mural les rapproche des apachetas andines, ces offrandes rituelles déposées par les voyageurs.

Sculptures Combinado dans la deuxième salle. Photo : Behnood Massoumi.

Leurs formes rappellent la calebasse séchée. Les silhouettes des tapisseries comme celles des sculptures dérivent de ce seul objet, a expliqué l’artiste, qui s’intéresse à sa valeur culturelle depuis une dizaine d’années :

Lors de mon dernier voyage au Pérou, j’ai découvert que, dans cette toute petite région du nord du pays … l’objet principal, qui se transforme de façons très différentes, est la calebasse séchée, ce qui est une pure coïncidence qui a expliqué cette attirance inconsciente pour cet objet.
Lorenzo Vitturi

Une sculpture Combinado : fil péruvien dans le verre, surmontée d’une calebasse séchée. Photo : Behnood Massoumi.

Sculptures et photographie dans l’exposition. Photo : Behnood Massoumi.

Vue de la deuxième salle. Photo : Behnood Massoumi.

Dernière salle : figures hybrides sur fond d’adobe rouge

Dans la dernière salle, des photographies montrent des figures hybrides drâpées dans des textiles péruviens. Selon le texte mural, leurs visages sont dissimulés par des masques inspirés à la fois des traditions andines et vénitiennes, sur fond de paysages et de parois en adobe rouge. Le verre, le textile et les fils péruviens y reviennent, transformés une fois encore dans l’espace photographique.

Photographie dans un cadre-caisson en bois, dernière salle. Photo : Behnood Massoumi.

Photographie dans un cadre-caisson en bois, dernière salle. Photo : Behnood Massoumi.

Artiste italo-péruvien, Vitturi résume ainsi sa démarche :

J’utilise la transformation des matières premières pour révéler mon histoire personnelle, et aussi les histoires qui se cachent derrière les matériaux.
Lorenzo Vitturi

L’artiste

Lorenzo Vitturi (né en 1980 à Venise) est un artiste italo-péruvien installé entre Londres et Venise. Ses sculptures et ses photographies s’appuient sur des échanges avec des communautés locales, sur des savoir-faire et des traditions culturelles, ainsi que sur les mémoires portées par les matières brutes et les objets du quotidien. Il a présenté des expositions personnelles notamment au FOAM à Amsterdam, à la Fondazione MAST à Bologne, au Centre Photographique Rouen Normandie, à The Photographers’ Gallery à Londres et au Centre national de l’audiovisuel à Luxembourg.

Informations pratiques

Exposition : Lorenzo Vitturi, Catacaos, du 9 novembre au 23 décembre 2026 (dates indiquées sur le site de la galerie).

Vernissage : lundi 9 novembre 2026, de 18 h à 21 h, en présence de l’artiste.

Lieu : 193 Gallery, 24 rue Béranger, 75003 Paris. D’après le site de la galerie, elle est ouverte du mardi au samedi, de 10 h 30 à 19 h ; renseignez-vous auprès de la galerie avant votre visite.

Pour en savoir plus : page de l’exposition sur le site de la 193 Gallery. Instagram : @193gallery et @lorenzovitturi.

Texte et entretien : Kasra Aliha. Photographies : Behnood Massoumi. Les citations proviennent d’une conversation avec l’artiste lors du vernissage ; elles ont été traduites de l’anglais et légèrement éditées par souci de clarté.

novembre 10, 2026
The World of Claudy Jongstra au Musée d’histoire de l’Arménie, à Erevan

The World of Claudy Jongstra, au Musée d’histoire de l’Arménie à Erevan, explore le temps à travers la laine, les plantes, les teintures naturelles et le travail humain. Présentée sous le sous-titre Slow Downs: The Art of Deep Time, l’exposition invite le public à repenser le temps à une époque de plus en plus marquée par la vitesse et l’accélération. Elle est ouverte du 22 octobre 2026 au 10 janvier 2027.

Reportage et photographies de Michel Allahverdian.

Panneaux de laine rouges et ocre, détail, Musée d’histoire de l’Arménie, Erevan. Photo : Michel Allahverdian.

L’artiste

Claudy Jongstra est une artiste néerlandaise connue pour ses œuvres textiles et ses installations architecturales. Elle travaille la laine de moutons Drenthe Heath et des plantes tinctoriales cultivées dans sa ferme biodynamique de Frise, et réunit les rythmes de la nature, les savoirs traditionnels et le travail humain.

Textile orange à motif de grille accroché dans l’exposition. Photo : Michel Allahverdian.

La vie temporelle des matériaux : rendre le temps visible

L’exposition explore la manière dont Claudy Jongstra conçoit le temps à travers les matériaux naturels, l’artisanat traditionnel et les processus écologiques. En réunissant plantes, animaux, laine, teintures et travail humain, sa pratique remet en cause la production accélérée et révèle comment le temps s’accumule dans la matière et façonne notre relation à la nature.

Dans la pratique de Claudy Jongstra, le temps est une part essentielle du processus créatif. Les plantes poussent selon leurs propres cycles, les animaux suivent des rythmes saisonniers, et la préparation des teintures naturelles comme la fabrication du feutre demandent patience et répétition. Ses œuvres incarnent le temps accumulé par ces processus naturels et humains entremêlés.

Œuvres en laine claire aux longues mèches de toison. Photo : Michel Allahverdian.

Une visiteuse devant une grande œuvre textile en noir et blanc. Photo : Michel Allahverdian.

Informations pratiques

L’exposition est visible jusqu’au 10 janvier 2027 au Musée d’histoire de l’Arménie, place de la République, à Erevan. Elle est organisée par le Musée d’histoire de l’Arménie, l’Institut d’art contemporain d’Erevan (Institute for Contemporary Art Yerevan) et l’ARé Cultural Foundation. Pour les horaires et les conditions d’accès, consultez le site du musée.

Devant une œuvre textile à motif de grille dorée. Photo : Michel Allahverdian.

Reportage et photographies : Michel Allahverdian.

Source sur la pratique de l’artiste : Studio Claudy Jongstra.

novembre 8, 2026
CYFEST 17 ouvre ses portes au Cafesjian Center for the Arts avec Natura Naturans

La 17^e édition du CYFEST, festival international d’art médiatique, a ouvert ses portes le 15 octobre 2026 au Cafesjian Center for the Arts, à Erevan, avec l’exposition Natura Naturans : Human Beings, Nature, Landscape (« Natura Naturans : les êtres humains, la nature, le paysage »), présentée à la galerie Sasuntsi Davit du Centre. Réunissant des œuvres de plus de 35 artistes internationaux, l’exposition explore la relation entre la perception humaine, les phénomènes naturels et les systèmes technologiques.

Formes géométriques colorées sur des pieds en acier, Erevan. Photo : Michel Allahverdian.

Qui est derrière l’événement

CYFEST 17 est organisé par le Cafesjian Center for the Arts et le CYLAND Media Art Lab (l’annonce officielle de cette édition cite la CYLAND Foundation comme organisatrice), avec la Frants Foundation comme sponsor général. Selon la présentation officielle, l’exposition réunit des œuvres de plus de 35 artistes internationaux et dialogue avec l’héritage de l’« École organique » et ses expériences sur la couleur, la lumière, l’espace et le mouvement. Une partie du parcours s’étend à l’architecture et aux abords de la Cascade d’Erevan.

Beyond Perception : explorer le monde invisible

L’exposition établit des liens entre l’art médiatique contemporain et l’héritage de l’École organique, notamment ses expérimentations sur la couleur, la lumière, l’espace, le mouvement et la perception élargie. À travers des pratiques artistiques variées, Natura Naturans examine la manière dont des forces visibles et imperceptibles façonnent notre compréhension du monde. La lumière du soleil, les champs magnétiques, la matière géologique, les formes biologiques, le rayonnement cosmique et les signaux électromagnétiques deviennent autant de points de départ pour étudier l’interaction entre la technologie, l’environnement matériel et les limites de la perception humaine.

Le cadre de l’exposition, au Cafesjian Center for the Arts, instaure un dialogue entre les œuvres et l’architecture de la Cascade. Le jeu du complexe entre espaces intérieurs et extérieurs, la circulation verticale, les points de vue changeants et la lumière naturelle font écho aux préoccupations centrales de l’exposition. Dans ce contexte, la Cascade n’est pas seulement un décor architectural : elle fait partie intégrante de l’expérience de l’exposition.

Vue des salles : objets sur des socles et film projeté au mur. Photo : Michel Allahverdian.

Live in the Moment : quand le mouvement devient art

Le programme public du festival réunit performances en direct, son expérimental et images en mouvement, avec des rencontres entre danseurs, musiciens et un robot humanoïde, qui explorent l’évolution des liens entre le corps humain, la technologie et l’espace.

En parallèle de l’exposition, un programme public de performances, de discussions, de présentations sonores et d’images en mouvement prolonge ces questionnements dans d’autres formes artistiques. La soirée d’ouverture a proposé une série de performances dans tout le Cafesjian Center for the Arts, marquant le lancement de CYFEST 17 et de son exploration des intersections entre l’art, la nature et la technologie.

Selon le programme publié par CYLAND, la soirée d’ouverture du 15 octobre comprenait des performances de Jaanika Peerna, de φø, et d’Andrey Smirnov et Dafin Antoniadou. Alexandra Dementieva et Andy Barrt y présentaient une œuvre avec un robot humanoïde Unitree G1 EDU, développée avec Engineering City, et Francesco Cavaliere et Nicola Ratti donnaient des performances sonores. Le projet de mapping Looking at You de Marina Alexeeva est projeté sur la façade de la Cascade.

Détail d’une sculpture couverte d’yeux stylisés. Photo : Michel Allahverdian.

Le programme d’actions éducatives comprend une conférence de Lev Manovich sur l’IA comme médium artistique visuel et une conférence de la commissaire Barbara London, What Works?. Un programme d’art sonore et de performance se poursuit pendant les trois mois de l’exposition.

Informations pratiques

Dates : du 15 octobre 2026 au 17 janvier 2027. Lieu : Cafesjian Center for the Arts, 10 rue Tamanyan, Erevan 0009, Arménie.

Sources : programme officiel de la CYLAND Foundation (cyland.org) ; site du Cafesjian Center for the Arts (cmf.am) ; notes de Michel Allahverdian. Reportage et photographies : Michel Allahverdian, pour Honargardi, octobre 2026.

octobre 21, 2026
Voyage en cuisine iranienne : une conférence dégustation au festival Et maintenant ? d’ARTE

Le 17 octobre, dernier jour du festival Et maintenant ? d’ARTE à la Gaîté Lyrique, à Paris, le géographe de l’alimentation Pierre Raffard a donné une « conférence cuisinée » sur la cuisine iranienne. La séance, Voyage en cuisine iranienne, empruntait son titre à la série d’ARTE Voyage en cuisine, que présente Raffard, et s’appuyait sur des plats du restaurant parisien Namak.

Le programme

La sixième édition du Festival des idées de demain s’est tenue les 16 et 17 octobre 2026 à la Gaîté Lyrique (3bis rue Papin, 75003 Paris). L’entrée était gratuite, mais certaines séances exigeaient un billet réservé, qui ne garantissait pas une place. Celle-ci avait lieu de 14 h à 15 h dans la salle Audito et était présentée comme une « conférence immersive » : réservation obligatoire, entrée dans la limite des places disponibles.

La description officielle présente la cuisine iranienne comme façonnée par les échanges, les migrations et les bouleversements du monde. Derrière le citron noir, l’eau de rose, le safran ou la pistache se cachent, dit-elle, des siècles de voyages, de commerce et d’influences. Pierre Raffard y est présenté comme géographe de l’alimentation, enseignant et présentateur de Voyage en cuisine.

Dans la salle

Pierre Raffard a commencé par présenter les deux cofondateurs de Namak, puis l’Iran et la cuisine iranienne plus largement. Le public a reçu un plateau de quatre petits pots numérotés de 1 à 4 à goûter : du yaourt, du fromage, du ghormeh sabzi et du sholeh zaard.

Le plateau de dégustation : quatre pots numérotés.

Les diapositives détaillaient la composition des deux plats cuisinés. Le ghormeh sabzi, présenté comme « plat national iranien », était indiqué avec un mélange d’herbes (fenugrec, persil, ciboulette, coriandre), de l’oignon, des haricots rouges, du citron noir, du curcuma et de la cannelle, ainsi que des champignons de Paris au cumin, et se servait avec du pain lavash. Le sholeh zaard, un dessert de riz au safran, comportait du riz, du sucre, du safran, de l’eau de rose, de la cannelle, de l’amande et du beurre. Les allergènes étaient signalés sur les deux.

Le ghormeh sabzi à l’écran.

Le sholeh zaard à l’écran.

Pierre Raffard a ensuite passé en revue les saveurs qui composent ces plats, parmi lesquelles la pistache, le safran, le citron d’Oman séché et l’eau de rose, et leur provenance.

Des citrons noirs séchés, à l’écran.

Après la séance

Honargardi a ensuite pu s’entretenir avec les deux cofondateurs de Namak, d’abord Rod Pourcyrus, puis Arthur Comte, sur l’adaptation de la cuisine persane à Paris. Lisez l’entretien : Les fondateurs de Namak : cuisiner persan pour Paris.

Ce qui nous a le plus marqués : l’attention que Namak porte à l’esprit des saveurs iraniennes, et l’audace de ses jeunes fondateurs, qui les mettent au goût du jour tout en gardant cet esprit.

Namak se trouve au 18 rue Saint-Lazare, 75009 Paris.

Sources : le programme du festival Et maintenant ? (etmaintenant-lefestival.fr) ; le site de Namak. Texte et photographies : Kasra Aliha pour Honargardi, octobre 2026.

octobre 17, 2026